Então, quando a Netflix anunciou lá em 2018 que estava trabalhando em uma adaptação live-action da amada série da Nickelodeon, a antecipação – e a ansiedade – dos fãs foi imensa. Como você melhora algo que muitos consideram perfeição? E por que fazer isso?
A abordagem, segundo o showrunner Albert Kim e o produtor executivo/diretor/supervisor de efeitos visuais Jabbar Raisani? Você muda as coisas. Na entrevista a seguir, Kim e Raisani explicam como mantiveram muito da base original, mas ainda assim estão dando seu próprio toque.
A IGN conversou com Kim e Raisani como parte da cobertura do Fan Fest 2024, e pode perguntar sobre tudo, desde as mudanças que estão fazendo, os efeitos visuais, o elenco, avançando sem os criadores originais da série Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko, e muito mais.
Enfrentando a pressão
IGN: Eu sinto que todos têm seu momento de, “Eu assistia enquanto estava sendo transmitido,” ou, “Eu descobri anos depois e fiquei tipo, ‘O que é isso?'” com Avatar: A Lenda de Aang. Quando vocês começaram a se interessar por Avatar?
Jabbar Raisani, produtor executivo, diretor e supervisor de efeitos visuais: Eu vi quando foi lançado pela primeira vez. Era um grande fã, e então soube que a Netflix iria produzir a série, e eu fiquei tipo, “Como faço para trabalhar nessa série?” E comecei a conversar com Teddy (executivo de conteúdo da Netflix, Teddy Biaselli) sobre isso, e então acho que Teddy me mencionou para você, e foi assim que eu acabei entrando.
Albert Kim, showrunner e produtor executivo: Era a série favorita da minha filha enquanto ela crescia. Então eu costumava chegar em casa e encontrá-la assistindo sozinha todos os dias. E eu sentei com ela porque pensei que era um pouco complexo para ela. Mas logo parei de explicar as coisas; eu estava apenas assistindo por conta própria porque era muito bom. Foi assim que me viciei na série original.
Não era apenas uma história incrível e épica, mas obviamente, era uma série que girava em torno de lendas e folclores asiáticos, o que era incrivelmente raro, não apenas naquela época, mas agora. E então, ter minha filha assistindo a isso era realmente importante para nós.
Tenho certeza de que você ganha muitos pontos de legalidade, como pai, por fazer isso agora, então.
AK: Bem, foi engraçado. Quando mencionei a ideia de fazer a versão live-action, minha filha ficou muito animada. Meu filho, que também era um grande fã, ficou tipo, “Não sei se você deveria fazer isso,” porque ele está no contingente de fãs que pensa que você não pode melhorar o original. Então ele estava um pouco receoso. E provavelmente também um pouco preocupado comigo porque sabe como os fãs e a comunidade online podem ser implacáveis se você errar algo, então ele estava um pouco protetor comigo nesse aspecto, mas acho que conseguimos conquistá-lo.
Bem, acho que seu filho toca em um sentimento muito comum. Uma grande questão em torno da série é, quanto vocês estão mudando e quanto está permanecendo o mesmo? Quanta liberdade vocês sentiram ao remixar as linhas da história e colocar seu próprio toque e liberdades nelas?
AK: Eu usei o termo que isso é um remix, não uma cópia, no sentido de que você precisa acertar muitas notas familiares, mas não pode esquecer que isso deve ser uma nova música. Então, obviamente, há pontos da história e personagens que você tem que fazer de forma bastante fiel ao original. Mas, ao mesmo tempo, você está literalmente traduzindo algo de 2D para 3D, e isso significou dar mais dimensão à história, levá-la para novos lugares, preenchendo algumas das lacunas.
Para onde podemos levar a história em novas direções que ainda sejam fiéis ao espírito do original?
Existem certas cenas que você nunca viu na série original, seja o ataque ao Templo do Ar Sul ou o Agni Kai entre Ozai e Zuko. E essas são coisas que eu sabia que precisávamos ver para tornar a série mais realista como uma produção live-action. Então, era sobre sentir o caminho ao longo do processo. Para onde podemos levar a história em novas direções que ainda sejam fiéis ao espírito do original? E é isso que realmente importa, garantir que pareça que era Avatar em espírito.
JR: E quando se tratava de dirigir ou dos efeitos visuais, quero dizer, nós realmente estávamos assistindo à série animada, baseando nossas sequências nela, usando tantas cenas que pudéssemos adaptar daquela forma que fizesse sentido dentro do contexto da história que estávamos contando. E isso permaneceu verdadeiro durante toda a pós-produção e os efeitos visuais. Então, quando tínhamos sequências editadas finais, estávamos literalmente passando e pegando pequenos trechos da série animada, fazendo imagem-na-imagem de, “Isso é como aquele momento, isso é como aquele momento, isso é como aquele momento.” Então, visualmente, mesmo que não seja uma cópia exata, deveria parecer muito familiar.
AK: Houve momentos em que fizemos uma reprodução muito fiel de uma cena ou imagem famosa da série animada. Replicamos a parte em que Aang está no scooter aéreo para os títulos principais, e ele se choca contra a estátua. Isso era algo que sempre soubemos que queríamos fazer, e tiramos isso diretamente da série animada.
Aquela cena em particular é basicamente uma memória fundamental para mim.
AK: Porque estava nos títulos principais, então você a via em cada episódio. Cada episódio terminava com isso, então isso é algo que ficou com todos. Mas também, além do fato de que era uma coisa legal que todos se lembram, transmite um ponto de caráter muito importante, que é que apesar de tudo e todos os fardos que ele enfrenta, Aang é apenas uma criança. Ele é um garoto bobo de 12 anos, e ele está se divertindo e é um grande palhaço. E queríamos garantir que mostrássemos isso porque isso é tão importante para a história quanto toda a ação e a fantasia épica de tudo isso.
Você tocou em algo que realmente me deixa muito curioso. Acho que, quando falamos sobre o legado de Avatar e todas as questões sérias que ele aborda, às vezes as pessoas esquecem que era um desenho da Nickelodeon, e por isso era bobo! Muito mesmo! Foi difícil para vocês equilibrar essa bobagem na tradução para live-action enquanto também lidavam com esses temas realmente pesados?
AK: Em termos de tom?
Sim.
AK: Acho que esse foi o equilíbrio essencial que tivemos que manter, é descobrir, em termos de tom, onde essa série se encaixava, porque você queria permanecer fiel ao original, que tinha uma grande componente de humor, muita ação, muita escuridão também. Essa série, mesmo sendo da Nickelodeon, avançou bastante em termos de temas maduros e cenas, coisas que você não via antes. Quer dizer, acho que Koh, o Ladrão de Faces, iniciou pesadelos em uma geração inteira de crianças. Isso não é algo que você normalmente vê em um desenho da Nickelodeon.
E especialmente conforme a série avançava, as Temporadas 2 e 3 são muito mais maduras em tema do que, digamos, a Temporada 1. Então, para nós, era sobre encontrar o equilíbrio certo, de garantir que você fosse fiel ao DNA do original. Mas, ao mesmo tempo, tivemos que transformá-lo em um drama serializado da Netflix, o que significava que não poderia ser apenas para crianças. Também tinha que apelar para as pessoas que são grandes fãs de Game of Thrones. E então, tinha que se sentir fundamentado e maduro e adulto dessa forma também. Então, é, como eu disse, o equilíbrio que temos que manter.
JR: E quando se trata de acertar o tom, quero dizer, temos o roteiro, e então estamos no set, e é tipo, “Vamos fazer essa versão.” E então, “Ok, vamos fazer mais bobo. Vamos ficar ainda mais bobo. Ok, agora vamos puxar de volta.” Então, só nos certificamos de ter opções das quais realmente poderíamos escolher em uma gama na pós-produção, em vez de, “Oh não, agora temos essa. Isso é bobo demais, e essa é nossa única escolha, então o que fazemos?” Então, é apenas proteger-se para garantir que você possa moldar o tom.
Definindo os Personagens
Sinto que muito desse equilíbrio entre o bobo e o sério recai sobre Aang em particular. É um peso enorme para Gordon Cormier carregar. O que foi que nele fez você sentir que ele poderia assumir esse enorme papel?
AK: Sempre soubemos que escalar essa série seria provavelmente o maior desafio de todos, porque você está pedindo muito de alguns artistas muito jovens. E eu sempre soube que queríamos ser apropriados na idade do elenco. Não queríamos escalar um jovem de 20 anos para interpretar um de 12. Precisávamos de um jovem de 12 anos para interpretar um de 12. E então, isso foi um grande pedido quando se tratou de escalação. Mas foi uma daquelas coisas em que às vezes o raio simplesmente cai. Você vê alguém, e percebe que de alguma forma capturaram a essência de um personagem.
Foi assim quando vimos Gordon pela primeira vez. Ele simplesmente parecia ser Aang. Aqui está a outra coisa desafiadora, é que este projeto era tão secreto que, quando fizemos as audições, não podíamos deixar ninguém saber que era para Avatar. Então eu tive que escrever um monte de falas de teste falsas. Então, todo ator estava atuando uma história completamente diferente, e Gordon não tinha ideia de que isso era Avatar. Então ele estava atuando como algum personagem chamado Alan em uma série sobre matemática ou algo assim. Eu nem consigo me lembrar sobre o que eram essas cenas. Vimos nele algo que era uma versão essencial de Aang ali. E nós continuamos voltando a ele. Vimos muitos outros atores também, mas após cada rodada de audições, estávamos nos perguntando, “E o Gordon? Quero dizer, eles não são tão bons quanto o Gordon. Podemos voltar?” E então, esse foi o processo que passamos com basicamente todos os papéis.
Aang foi o mais difícil de escalar?
AK: Eu diria que sim, apenas por causa de sua idade e por causa da quantidade de trabalho que eles iriam fazer. Foi um desafio. E acabamos olhando para atores que eram um pouco mais jovens que 12 e um pouco mais velhos que 12. Então tivemos um pouco de margem ali. Há uma enorme diferença em crianças de 10 a 15 anos. Então, é uma versão muito diferente de Aang se você tivesse um Aang de 15 anos em comparação com um Aang de 10 anos. Então, novamente, Gordon simplesmente acertou em cheio. Ele realmente tinha 12 anos quando o escalamos, e ele está interpretando um jovem de 12 anos.
E sinto que, quando você assiste à série em live-action, de alguma forma te impacta mais que eles são crianças. Eles têm 12 ou 15 anos. Você já se preocupou que ficasse muito sombrio?
AK: Não sei se isso foi alguma vez uma conversa explícita que tivemos, digamos, com a Netflix. Foi mais o tipo de coisa que fomos sentindo conforme avançávamos. Porque, novamente, a história em si tem alguns temas maduros ao longo dela. A série inteira começa com um genocídio. Novamente, não é realmente típico para a Nickelodeon, certo?
Mas nós fomos um passo além. Nós íamos realmente mostrar isso em vez de apenas falar sobre isso na série original. Então, confiamos tanto nos artistas quanto, francamente, no público, que eles poderiam lidar com esse tipo de material, mesmo em uma idade jovem. Então, era apenas uma questão de ser fiel à história. E então, mais tarde, nós apenas ajustávamos um pouco aqui e ali. Como Jabbar disse, tínhamos versões diferentes de muitas cenas. E então, depois de assistir tudo cortado juntos, diríamos, “Bem, talvez devêssemos reduzir um pouco aqui. Talvez tenhamos espaço para ir mais longe aqui.” Então, era sobre sentir nosso caminho ao longo do processo.
Isso é o que eu quis dizer ao dizer que há temas e histórias maduras ao longo, mas há uma maneira de jogá-las de forma que não necessariamente tenha que ser tão gráfica em sua representação. E então, essa é a coisa que estávamos sempre de olho.
Quero falar um pouco sobre Azula, que é uma personagem que me surpreendeu ver tanto quanto vimos nos trailers e nas primeiras imagens, porque ela não aparece muito na Temporada 1 da série original. Então, parece seguro dizer que ela tem um papel maior mais cedo na série live-action. Por que você tomou essa decisão?
AK: Sim, Azula é uma personagem que, na série animada, você realmente não vê até a Temporada 2. O Senhor do Fogo Ozai também é alguém que não aparece muito na Temporada 1. Mas tomamos a decisão consciente de trazer algumas dessas histórias da Nação do Fogo mais para o primeiro plano na primeira temporada porque senti que precisávamos equilibrar as histórias. Precisávamos saber mais sobre o contexto de Zuko, e por que ele está fazendo o que faz, e colocar isso no contexto da dinâmica de sua família, e como ele se encaixa com seu pai e irmã. E isso é algo que eles abordam mais tarde na série animada, mas tivemos um pouco de benefício da retrospectiva. Sabíamos para onde isso estava indo, então pudemos trazer alguns desses elementos para o início na primeira temporada e tornar a primeira temporada um pouco mais rica e profunda em termos de linhas de história de personagens.
Então, acho que na série animada, muito disso foi descoberto conforme eles avançavam. E então, chegaram à Temporada 2 e Temporada 3, e puderam explorar mais o passado e coisas assim. Queríamos ter certeza de que Zuko se sentisse como um personagem muito mais dimensionalizado, e isso significava trazer mais elementos da história de sua família. Então, naturalmente, sentimos que deveríamos ver um pouco mais de Azula e um pouco mais de Ozai. Se alguma coisa, a história de Azula na primeira temporada é um pouco de um prelúdio para sua história nas temporadas dois e três, mas esse é outro elemento que pensamos que deveríamos ver em vez de apenas falar sobre.
Acho que isso é algo interessante na sua abordagem. Vocês certamente não estão agindo como se as outras temporadas não existissem, e provavelmente estão puxando delas onde podem. Mas a coisa sobre Avatar é que ele se expandiu muito além da série. Existem livros, existem graphic novels. Estou curioso se vocês puxaram algo de todas essas fontes?
AK: Sim, muito. Quero dizer, nós, acima de tudo, somos fãs da franquia. E então, estávamos muito cientes de tudo, desde os quadrinhos e as graphic novels até as novelizações, e passamos por todo esse material. E há alguns materiais realmente ricos dos quais nós nos inspiramos. E acho que os fãs ficarão… Alguns fãs ficarão muito animados ao ver isso. Outros fãs, será novo para eles porque eles não passaram por esse tipo de coisa. Não tenho certeza se devemos falar sobre alguns spoilers.
Precisávamos saber mais sobre o contexto de Zuko, e por que ele está fazendo o que faz, e colocar isso no contexto da dinâmica de sua família.
Isso é justo. Mas obviamente, vocês os leram, estão cientes deles.
AK: Sim. Mas tudo isso contribui para adicionar um pouco mais de dimensão a alguns dos elementos da história e ser capaz de tecer novos fios. E foi todo um processo de fazer com que parecesse mais como um drama serializado em vez de uma aventura da semana que a série original era.
Eu queria perguntar especificamente sobre isso. Você está descrevendo como um drama serializado, o que é uma grande mudança além de ser live-action – acredito que são oito episódios de uma hora versus 20 episódios de 20 minutos. Essa mudança de fórmula foi um desafio para adaptar?
AK: Sim, muito. Especialmente a primeira temporada, porque a primeira temporada da série animada [tem muitos] episódios independentes. As segundas e terceiras temporadas tornam-se mais serializadas, mas na primeira temporada da série animada, é muito uma aventura da semana. Então, uma grande parte do processo na sala de roteiristas foi meio que desmontar todas essas histórias e ver como os fios narrativos se dispunham, e então tecê-los juntos em muito mais de um drama serializado.
Mas foi um processo interessante porque o que você acaba descobrindo é que havia muitos paralelos temáticos. Então, quando você pega um episódio [Nota do Editor: removemos parte disso para possíveis spoilers] e então você pega um episódio em que [removido por spoilers] está, e você percebe que ambos são episódios separados na série animada, e eles acontecem em ambientes diferentes, mas ambos são sobre o mesmo tipo de personagem. Então, esses tipos de correspondências temáticas. Então, colocamos os dois juntos na mesma história. Então, esse foi meio que o processo de criar a versão serializada do que era essencialmente uma série de aventura da semana.
Tudo daqueles efeitos visuais
Você descreve como uma série de aventura da semana, mas uma coisa que também me lembro, de quando visitei o set, é você descrevendo como uma série de viagem. Isso ainda guia sua abordagem?
AK: Jabbar pode falar sobre isso melhor do que ninguém porque é uma questão de retratar todos esses novos ambientes de cada episódio, o que está fortemente na província dos efeitos visuais.
JR: Sim, quero dizer, certamente. É absolutamente uma série de viagem. É um dos grandes desafios de algo assim, é que você nunca está no mesmo lugar duas vezes, o que temos sorte de estar fazendo com alguém como a Netflix, que entende o que isso exige para realizar. Isso exige construções de cenários grandes e extensas. Exige um trabalho pesado do lado dos efeitos visuais. Muito tem que entrar para fazer um verdadeiro programa de viagem. Nós não vamos e revisitamos os mesmos locais repetidamente. É difícil.
AK: Direi que, logisticamente falando, essa também é outra razão pela qual decidimos fazer um pouco mais de uma história da Nação do Fogo no primeiro episódio porque nos deu alguns cenários e ambientes regulares aos quais poderíamos voltar em cada episódio, porque nossos heróis estão viajando de local para local a cada episódio, mas sempre podemos voltar à sala do trono da Nação do Fogo para uma cena ou duas em cada episódio. E isso nos deu um pouco mais de estabilidade na narrativa. Então essa foi outra razão para trazê-los mais para o primeiro plano na primeira temporada.
Agora que estamos falando sobre os efeitos visuais, sinto que uma das grandes curiosidades é como será a aparência da dobra. Houve algum estilo de dobra que foi particularmente difícil de traduzir?
JR: Acho que a água é a mais complexa de traduzir para o meio live-action porque todos nós temos uma boa compreensão da física da água e como ela se comporta, e quando você está tentando fazer coisas que são contra as leis da física, mas que pareçam realistas, é um verdadeiro desafio. Sem mencionar quando alguém se molha, esperamos ver essa quantidade de umidade. Esperamos vê-la viajar ou rastrear ao longo de uma cena. Então isso foi o que foi um verdadeiro desafio. É como, “Ok, quando alguém é atingido pela água, quanto tempo essa água tem que existir antes que o público aceite que ela não está mais lá?” Porque estamos literalmente apenas gastando dinheiro em algo que não está realmente contando mais história. Estamos realmente tentando focar nossos esforços. Onde o dinheiro conta a história? E depois disso, quando o público aceita que não está mais lá?
Quando você está tentando fazer coisas que são contra as leis da física, mas que pareçam realistas, é um verdadeiro desafio.
AK: Acho que o ar também é desafiador porque você não pode ver o ar. E no desenho animado, você pode desenhar linhas onduladas para mostrar a dobra de ar. E no mundo real, é sobre ver os efeitos do ar em outras coisas, seja poeira ou folhas ou qualquer outra coisa. Então, mesmo indo para o projeto, lembro que isso foi um grande problema também.
JR: Sim, então estamos sempre nos apoiando no ambiente. Se estamos em um lugar que está molhado, a dobra de ar capta um pouco da água, então você obtém um pouco de especularidade na água. Ou se é um ambiente nebuloso, puxando essa névoa para a dobra de ar. Mas sim, a dobra de ar é o número dois dos efeitos mais desafiadores.
AK: Curiosamente, acho que o fogo é o mais fácil, certo?
Isso é surpreendente. Você pensaria que seria o mais difícil.
JR: Nenhum deles é fácil. Mas sim, quero dizer, o fogo, porque vimos coisas como um lança-chamas. Você pode dizer, “isso é meio que como um lança-chamas ou uma bola de fogo. Isso é meio que como uma bola de fogo.” Você tem algumas referências do mundo real das quais pode puxar, onde os outros efeitos você não tem. E então, além disso, interage com a luz. Um fogo, sabemos o que o fogo faz quando está perto de algo. Isso te dá algo em que você pode se basear na realidade que faz com que seja, “Ok, isso parece real,” mesmo que seja tudo inventado.
Há o aspecto digital da dobra, mas também há o aspecto real do trabalho de dublês. E nesse último trailer, eles estavam fazendo muitas acrobacias, o elenco. Que tipo de treinamento eles tiveram que fazer para a série?
AK: Nós tivemos a incrível sorte de que tanto Dallas [Liu, que interpreta Zuko] quanto Ian [Ousley, que interpreta Sokka] são artistas marciais habilidosos, e eles já eram antes da série. Ian é campeão mundial em armas, e Dallas estuda artes marciais desde criança. Você pode realmente encontrar vídeos no YouTube deles quando eram pequenos, se apresentando. É incrível. Então isso foi uma grande vantagem para nós.
Dito isso, colocamos todos os atores em um bootcamp de seis semanas antes de a produção começar, e eles passaram por um treinamento muito intensivo de artes marciais, todos eles. E eles tiveram que aprender todos os diferentes estilos de dobra. Cada disciplina de dobra é baseada em um estilo diferente de artes marciais. E então, todos tiveram que aprender seus próprios estilos, além de se familiarizarem com os outros.
Então, como eu disse, foi um pouco mais fácil para Ian e Dallas porque eles já eram habilidosos nisso. Mas eles tiveram que se acostumar com um estilo que não conheciam. E então, essa foi uma grande parte do treinamento deles. Todos os convidados que vieram também e estavam fazendo dobras, também passaram por suas próprias versões de treinamento. Utkarsh [Ambudkar] interpreta o Rei Bumi, ele passou por um treinamento muito intenso para fazer as sequências de dobra da terra. E Jabbar dirigiu esse episódio. Ele estava falando sobre como Utkarsh insistiu em fazer todos os dublês, todas as sequências, a cena inteira de luta. E ele continuava pedindo mais e mais tomadas. Nós realmente filmamos isso durante um fim de semana, eu acho.
Ele foi ótimo nisso. Mas essa é uma das coisas que foi uma verdadeira alegria sobre essa produção, todos estavam tão envolvidos. Eles simplesmente queriam fazer. Foi muito divertido poder fazer isso.
JR: Sim, e acho que as pessoas podem subestimar que você não pode simplesmente aparecer e dizer, “E então, você lança uma bola de fogo.” Não é assim que funciona. Há uma coreografia muito específica para isso, e isso era algo que realmente tinha que ser planejado com antecedência, garantir que todos entendessem os movimentos de dança, por assim dizer, e então você fazia isso como se estivesse fazendo uma dança coreografada. Você realmente não podia… Quero dizer, você poderia fazer alguma quantidade de improviso no dia, mas você realmente tinha que estar preparado e ter os atores preparados para que tipo de dobra e quais movimentos eles iam fazer naquele dia.
Falando mais sobre o elenco, uma coisa que acho interessante é que sim, você tem seus Daniel Dae Kim’s e Paul Sun-Hyung Lee’s e Danny Pudi’s, mas muitos do elenco principal não são astros A-list. Quero dizer, é o grande primeiro papel do Gordon, eu acho. Foi uma escolha intencional?
AK: Bem, quando você está escalando atores dessa idade, invariavelmente você acaba procurando pessoas que provavelmente não tiveram muita experiência ou feito muita coisa porque são muito jovens. Então Kiawentiio [que interpreta Katara] tinha feito algumas coisas antes, e fez um longa-metragem indie muito aclamado e coisas assim, mas ela não tinha feito nada nessa escala. Gordon, como você disse, tinha feito algumas outras coisas, mas isso foi seu primeiro grande projeto.
Então eu não acho que foi uma decisão consciente, “Vamos procurar pessoas que não são tão conhecidas.” Foi mais sobre os critérios que tínhamos para esses papéis, e acabou atraindo esse tipo de pessoa, que não tinha feito muito. Mas então fomos para os papéis de convidados, e há muitas pessoas mais conhecidas envolvidas. E foi uma das coisas que eu estava dizendo durante a análise do trailer, ainda é incrível para mim que conseguimos reunir esse tipo de talento de atuação asiático aqui. Tivemos Ken Leung e Tamlyn Tomita e Arden Cho, e como você disse, Daniel Dae Kim e Paul Sun-Hyung Lee em todo o lugar. E isso é apenas alguns deles. E poder reunir esse tipo de equipe dos sonhos para este projeto foi incrível.
Agora que falamos sobre os personagens humanos, quero falar sobre nossas criaturas. Personagens como Appa e Momo são tão importantes para os fãs, e eu poderia vê-los sendo um desafio para traduzir para ação ao vivo. Como vocês evitaram problemas de vale da estranheza ao trazê-los para ação ao vivo?
JR: Quero dizer, realmente começamos olhando pela série animada e encontrando representações do Appa de todos os ângulos que possivelmente poderíamos. E então, tentamos apenas destilar isso para, “Qual é a essência do Appa? Quando você fecha os olhos e imagina o Appa, o que está lá?” E então, tentamos dizer, “Ok, se você pegar isso e tornar uma versão real 3D em ação ao vivo disso, como isso se sente?” E levou muitas revisões para acertar.
Porque se você olhar a série animada e estudar essas imagens, o Appa é realmente diferente, o Momo é realmente diferente em diferentes quadros, diferentes episódios.
E você começa obtendo esse esboço 3D certo. E uma vez que isso parece certo, então você é como, “Ok, qual é o tamanho da íris? Qual é o tamanho da pupila? Qual é o tamanho da esclera?” E é realmente, realmente técnico. Mas quando você faz todas essas coisas repetidamente e continua fechando os olhos, imaginando o Appa, abrindo os olhos, isso é Appa? Você eventualmente chega lá. Então foi muito tentar obter a sensação da série animada. Porque se você olhar a série animada e estudar essas imagens, o Appa é realmente diferente, o Momo é realmente diferente em diferentes quadros, diferentes episódios. Não é uma representação uniforme. Mas há um sentimento uniforme que, novamente, quando você fecha os olhos, sempre tenta imaginar o Appa, e então olha para o que temos, e tenta descobrir o que é diferente, então foi muito isso.
AK: Lembro que no início, uma das grandes coisas que tivemos que decidir era, quão grande é o Appa? E você pensa que é uma pergunta fácil, mas como Jabbar diz, quando você volta à série animada, ele varia de tamanho ao longo dos episódios. Se você realmente prestar atenção, você vai, “Nossa, não há realmente um tamanho definido para o Appa.” Então tivemos que fazer esse processo, onde foi feito com óculos de realidade virtual. Eu os coloquei, e apenas olhamos para cima em nossos diferentes modelos, e tivemos diferentes tamanhos de Appas. E você apenas tinha que decidir, “Isso é muito pequeno, e isso é muito grande. Isso parece certo.” Então foi meio que esse processo.
Mas sim, você ficaria surpreso que não há um tamanho definido para o Appa. Nós apenas tivemos que descobrir isso por conta própria. Essas sessões de VR foram realmente interessantes porque colocávamos o Oculus, e então você estaria olhando para cima desta criatura massiva, e você é como, “Uau, isso é um pouco assustador. Podemos diminuí-lo um pouco?” Foi esse tipo de processo.
JR: E o Appa ainda é enorme, mas ele é de apenas um tamanho na nossa série.
AK: Essa foi a coisa. Você viu o equipamento, que era pelo menos um quadro de referência para quando os atores estavam sentados na sela [Nota do editor: Kim está se referindo a um equipamento físico do Appa que estava no set]. Então isso foi realmente útil. É uma coisa em uma animação, mostrar pessoas cavalgando em uma sela. É outra coisa ter três seres humanos vivos sentados em um local físico que requer uma certa quantidade de espaço. Além disso, há todas essas perguntas que temos que passar. É como, “Onde eles guardam suas roupas? Onde eles colocam suas coisas? Onde vai todo esse material?” E então, toda vez que você responde essa pergunta, a sela ficava um pouco maior, e ele ficava um pouco maior.
Falando nessa nota dos efeitos visuais, vocês falaram, na análise do trailer, sobre o Aang entrando no Estado Avatar. Quero dizer, respeitosamente, há um elemento do Estado Avatar que é basicamente um garoto de 12 anos se tornando Super Saiyan, e há uma chance de que isso possa parecer bobo em ação ao vivo. Foi difícil de realizar?
JR: Quero dizer, depende muito do que está acontecendo ao redor do Aang. Sempre que ele está no Estado Avatar, ele está gerando muita “energia”, vou chamar assim. E essa energia pode estar agitando coisas ao redor dele, pode estar levantando coisas. Você pode sentir a força do que ele está fazendo. Também depende muito do design de som, fazendo com que realmente pareça que tem muita potência. Não importa se ele é um menino de 12 anos ou um homem de 50 anos, ele parece grande e poderoso. E muito disso depende do design dos efeitos visuais e do design de som.
AK: Narrativamente falando, o Estado Avatar, como o Appa de certa forma, também tem regras um tanto fluidas na série animada. E quando você olha de perto quando e como o Aang pode entrar no Estado Avatar, muda um pouco ao longo. Então, fomos muito cautelosos em mostrar isso demais na primeira temporada. E, de fato, acabamos ajustando um pouco as regras para os propósitos da nossa história. E será interessante ver se os fãs percebem isso e o que eles pensam disso. Mas nós meio que simplificamos muitas dessas regras e chegamos a algo que funcionou para isso.
Dobrando as Regras
E voltando a essas liberdades narrativas, havia algo em particular que vocês consideravam como “isso é imutável. Isso não pode mudar”?
AK: Há muitas coisas assim, começando com os personagens. Quero dizer, os personagens, tivemos que dar mais dimensão a eles, mas há certos aspectos centrais… Eu diria que há um DNA central nos personagens que você não quer mexer, seja o Aang, como eu disse, sua infantilidade travessa, seu senso de humor, o peso de sua responsabilidade, Sokka e seu humor e sua visão prática da vida, o calor e otimismo da Katara. Essas coisas tinham que continuar na nossa versão. Então você começa com os personagens e diz, “Qual é a essência dos personagens que teve uma grande mudança? E onde podemos expandir um pouco mais?” A série animada, por mais ótima que fosse, foi há 15 anos. E então, as coisas mudaram. Há certos papéis que acho que Katara fez na série animada que não fizemos necessariamente aqui. Quero dizer, eu não quero realmente entrar em muitos detalhes, mas algumas questões de gênero não se traduziram tão bem.
Minha amiga acabou de assistir pela primeira vez, e ela disse, “Sokka é um idiota.” Eu disse, “Sim, ele meio que é.”
JR: Sim, especialmente na primeira temporada.
AK: Sim. Então tivemos que evitar esse tipo de coisa. E então, essas são coisas que não estão realmente mudando um personagem tanto quanto atualizando-os um pouco. E em termos de pontos da trama, sim, havia muitas coisas que, na sala dos roteiristas, colocamos como, “Estes são os marcos que vamos atingir. Vamos…” Sabíamos onde a grande história começaria e terminaria. Estávamos imitando a primeira temporada da série animada, então sabíamos que iríamos chegar à Tribo da Água do Norte no final da temporada. Isso nos ajudou a mapear a rota. E então, como eu disse anteriormente, uma vez que você começa a desfiar alguns dos fios e a retecer juntos, isso nos mostrou um caminho a seguir.
Acho que uma das grandes questões é, apesar de todo o remix, o ponto A e o ponto B ainda são os mesmos do original?
AK: Praticamente. Sim, quero dizer, acho que o estado do mundo e os riscos do mundo ainda são os mesmos. Então decidimos tornar o impulso narrativo do Aang um pouco mais claro. Na primeira temporada da série animada, ele está meio que indo de lugar em lugar em busca de aventuras. Ele até diz, “Primeiro, temos que ir e cavalgar o koi elefante.” É um pouco mais solto, como convém a uma série animada. Precisávamos garantir que ele tivesse esse impulso desde o início. E então, essa é uma mudança que fizemos. Nós essencialmente damos a ele essa visão do que vai acontecer e ele diz, “Eu tenho que chegar à Tribo da Água do Norte para impedir que isso aconteça.” Isso lhe dá muito mais compulsão narrativa para seguir em frente, ao invés de, “Vamos fazer um desvio e cavalgar o koi elefante,” esse tipo de coisa. Então isso é algo, novamente, que faz parte do processo de ir de uma série animada da Nickelodeon para um drama serializado da Netflix.
A saída de Bryan e Michael foi certamente um grande acontecimento. E eu estou curioso, já é assustador assumir uma série enorme como essa, mas é ainda mais assustador saber que é o bebê deles, e você está levando isso adiante sem eles?
AK: Sim, e Bryan e Michael estavam envolvidos no projeto quando me juntei, então tive muitas conversas com eles e trabalhei com eles no primeiro episódio. E conversamos muito sobre tudo… Quer dizer, eu, como fã, estava realmente empolgado em me encontrar com eles e fazer todas as minhas perguntas pessoais de fã. Então pude mergulhar em coisas que nem chegaram à série, mas que formaram o pano de fundo dela.
Mas claro, ter eles saindo foi uma situação complicada. E tivemos que pensar se a visão que tínhamos estabelecido realmente reflete e honra o espírito do que eles criaram. E sentimos que sim, então seguimos em frente com isso. Mas não é dizer que quando eles saíram, dissemos, “Esqueça tudo o que eles fizeram.” Isso nunca seria o caso, independentemente do envolvimento deles com o projeto. Então eu acho que, esperançosamente, honramos, como eu disse, o espírito da série que eles criaram originalmente na versão que fizemos.
Se você pudesse enviar uma mensagem aos fãs que estão ansiosos pela série live-action, qual seria?
JR: Eu acho, como fã da série, eles vão receber a versão live-action da série que sempre esperaram obter.
Albert, algo a acrescentar?
AK: Esta é a versão de Avatar que eu gostaria de ver como fã.
Esta entrevista foi editada e condensada para gramática e clareza. Avatar: O Último Mestre do Ar estreia na Netflix em 22 de fevereiro de 2024.
